Savatage: Handful of rain (1994)

Es interesante hablar de este disco porque, a pesar de ser muy bueno, no es en absoluto lo que nos venden. Es una ilusión, y retrata muy bien como se venden las cosas al público en momentos de crisis.

Savatage estaban deshechos. La muerte de su genial guitarrista Criss Oliva (hermano del ex cantante del grupo y todavía su principal compositor y pianista, Jon Oliva) fue un mazazo difícil de superar. El batería Steve Wacholtz no quería saber nada de la banda, y aunque aparece acreditado (primera ilusión), sorprendentemente en la foto del interior quién aparece no es él, sino el que será el siguiente percusionista de Savatage, Jeff Plate, que tampoco toca aquí. 

El bajista, Johnny Lee Midleton, estaba muy triste por el fallecimiento de Criss y se tomó un descanso (es decir, tampoco toca en el disco, aunque aparece acreditado como bajista, segunda ilusión).

¿Entonces? Pues fue cosa de Jon Oliva que, aunque estaba en otros proyectos, no quiso dejar que el grupo muriera. Así que por su cuenta y riesgo escribió nuevas canciones, y tocó todas las bases instrumentales él solo: es decir, Jon se encarga de la batería, el bajo, el piano y las guitarras rítmicas. Eso sí... contrató al guitarrista de Testament, Alex Skolnick, para que tocara los solos (muy buenos, aunque no llegan a la limpieza de Criss Oliva) y mantuvo también al cantante de los últimos años de Savatage, Zachary Stevens.

Dicho de otro modo... en realidad es un disco de Jon Oliva... pero en los créditos aparecen Savatage como músicos y compositores aunque ni siquiera pasaran por el estudio. 

Dicho esto... el trabajo es muy bueno. Hay temas absolutamente increíbles, en particular Chance, que con su juego de voces corales marcaría el camino a seguir para la banda (en sus siguientes trabajos usarían una y otra vez cánones vocales). Pero además hay un tema dedicado a Criss, Alone you breathe, que es una preciosidad de canción y que incluye pequeños homenajes a algunas de las baladas más bellas de grupo. 

Algún tema no llega a la altura... otros, como el que da título al disco, Handful of rain, son creativos y preciosistas. 

El disco es una ilusión. Parece de Savatage aunque no lo es exactamente. Aun así es un gran trabajo y vale la pena. 

8/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=OU7pcBkCg3s

Metallica: Garage Inc. (1998)

Lo cierto es que para hablar de este trabajo de versiones de Metallica tenemos que irnos, no a la fecha en que se publicó Garage Inc, (1998), sino casi una década antes, al año 1987. El bajista Cliff Burton acababa de morir, y la banda acababa de hacer ingresar en sus filas al bajista de Flotsam and Jetsam, Jason Newsted. Y lo primero que hicieron fue dedicarse a grabar con un sucio sonido garajero varias versiones de las bandas que más les gustaban, como Diamond Head, Misfits, Blitzkrieg, Queen  o Budgie, entre otras. Aquel material salió al mercado en 1987 en una edición limitada que se llamó Garage Days Revisated... y arrasó entre sus seguidores. Las copias desaparecieron y no había manera de encontrarlas por ninguna parte. Por cierto que tenía otra portada, claro. Esta.

¡Qué yogurines estaban aun! Bueno... pues pasa casi una década y tras el Black álbum que arrasó en ventas Metallica decidieron ponerse a trabajar en sonidos distintos (que les llevarían a sus trabajos Load y Reload), y con la presión y el miedo a la reacción de los fans, decidieron entretenerse volviendo a grabar temas de sus grupos favoritos. Y, ya de paso, incluirían además el mítico Garage days revisated como anexo. 

El resultado fue un doble cd estupendo de versiones, muchas de los cuales tocaron en directo durante años. Hay momentos increíbles, como el Am i evil? de Diamond Head, el Breadfun de Budgie, Last caress (que supera con mucho a la original de Misfits), Sabbra Cadabra de Black Sabbath... 

Se lo pasan bien, y eso lo transmiten de principio a fin, y aunque ha transcurrido casi una década entre las primeras grabaciones y las que cierran el álbum, consiguen que el sonido sea coherente (se nota, pero es coherente) y mantiene un espíritu amateur muy fresco (es decir... estamos grabando en plan colegas y para divertirnos).

El resultado fue un éxito... y es un disco referencial en lo que se refiere a trabajar con versiones. 

Bueno y, sobre todo, muy divertido.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=uFXa8zPvexo

Deerhunter: Why hasn´s everything already disappeared? (2019)

Pues es el primer disco que escucho de Deerhunter y me ha encantado, oye. Estos chicos se formaron en Atlanta, y practican lo que ellos mismos llaman ambient punk (supongo que les apetece sentir que han inventado algo nuevo). No creo que sea el caso, pero desde luego han conseguido un estilo de lo más efectivo que combina sonidos noise, un cierto toque folk, ramalazos de garage y otras influencias al servicio de unas melodías atrapadoras y unas canciones que te arrastran con gusto en un viaje de crítica amarga a nuestro mundo. ¿Por qué no ha desaparecido todo?, nos preguntan en el título, mientras nos hablan de una historia de la humanidad llena de muerte, errores, violencia, basura... un camino hacia la extinción. 

El comienzo es sublime, con ese Death in midsummer que es toda una declaración de principios. Y de repente nos encontramos envueltos en esa fórmula sonora que hace que el disco se nos pase volando (dura algo más de 36 minutos) y sin un solo segundo de desperdicio. 

Un gran lanzamiento de este año. 

9/10

No está el álbum en youtube, pero os dejo con el videoclip de Death in midsummer:

https://www.youtube.com/watch?v=zG2TgCuMcjM

Motorhead: Orgasmatron (1986)

Es curioso que en su momento este álbum fue criticado con cierta condescendencia, señalando que el sonido de la producción no era adecuado, aunque al mismo tiempo devolvió la popularidad a la banda de Lemmy Kilmister. Sin embargo muchos señalaron que era colosal, y según han pasado los años ha ido adquiriendo más y más categoría, sobre todo gracias a la canción que le da nombre, Orgasmatron, seguramente uno de los mejores temas de rock duro de la historia. 

Para mí, creo que es uno de mis trabajos favoritos de Motorhead (seguramente junto a Overkill y Ace of spades, y aunque algunos consideraron el repertorio un tanto irregular, para mi no tiene desperdicio. Desde el arranque (tremendo) con Deaf forever afrontamos una auténtica locomotora sónica magníficamente representada por la portada (que, por cierto, fue forzada. En realidad el álbum iba a llamarse Ridin´with the driver, y cuando decidieron cambiarle el título ya habían pagado al artista y dejaron su ilustración). 

El repertorio es demoledor, y la fuerza del grupo tan arrebatadora que superarían la etapa de fracaso comercial para volver a formar parte de las listas de éxito (especialmente en Gran Bretaña). 

A día de hoy es una pieza maestra del género, y Orgasmatron  ha sido versionada repetidamente por decenas de bandas que crecieron escuchando la música de Lemmy.

Un referente.

9/10 (por la producción. Si no, un diez rotundo).

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=S0rgmNPWYxs&list=PL567A15438E2F3324

The Fugees: The Score (1996)

No tengo una gran cultura en el género del rap, pero tenía muchas ganas de escuchar a The Fugees. Al fín y al cabo le dieron una vuelta al género tan radical que acabaría evolucionando inevitablemente hacia la mezcla de músicas, samples y letras potentes que hoy emplean músicos tan reconocidos como Kenye West o Kendrick Lamar. Además, de sus filas surgirían dos músicos realmente fantásticos... Wyclef Jean y sobre todo Lauryn Hill, dos abanderados con trabajos en solitario que han pasado la historia. 

El sonido es fantástico para la época. Son capaces de hacer samples y recrear nuevas visiones sobre temas de Enya, o reescribir con fuerza clásicos como el Killing me softly e Roberta Flack o No woman, no cry  de Bob Marley. Los ritmos sincopados, las letras que retratan temáticas como el racismo en la policía, la confusión de la violencia, la falta de interés de personas negras en rastrear sus orígenes... todo ello sumado a un uso de elementos nacidos del soul, el funky o el Doo woop, convierten este trabajo en una pieza de antología, incluso para los que no somos aficionados al rap.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=umhGnNHKzRI

Helloween: The time of the oath (1995)

Los de mi quinta recordamos bien la marcha del cantante Michael Kiske tras el desastre del álbum Chameleon. Aquello fue tremendo. El sonido de una de las bandas europeas más importantes de Power Metal se había reblandecido de manera infantil y hasta cursi. Pero aun así el adiós a Kiske, uno de los grandes vocalistas del género, fue amargo. Cuando escuchamos que lo iba a sustituir el cantante de Pink Cream 69´, Andy Deris, muy pocos dábamos un duro por su futuro. Pero de repente sacaron un disco realmente bonito, Master of the rings, (que en su momento la publicidad vendió como "el nuevo Keeper of the seven keys"). Era blando, es cierto, menos heavy, pero estaba lleno de imaginación, buenas melodías y canciones estupendas. 

Andy Deris fue aceptado. Entonces llegó el suicidio del ex-batería del grupo, Ingo Swichtenberg, que se lanzó a un tren acosado por problemas de depresión, esquizofrenía y adicción a las drogas. 

El nuevo disco de Helloween estaría dedicado a él, y prometió ser mucho más duro, así que estábamos ansiosos. 

La promoción fue descomunal... el metro estaba lleno de publicidad de The time of the oath (y una vez más se vendió como "el nuevo Keeper..."), las críticas hablaban de una obra maestra fantástica, todo un movimiento de marketing de primera categoría. 

Y lo escuché. Una vez. Varias veces. No encontré nada de lo prometido. 

Era más duro, es cierto. Más heavy. Pero no mejor que Master of the rings, ni mucho menos que los Keepers. El sonido era pesado... las canciones ni de lejos llegaban a la imaginación de trabajos precedentes. Eran muchísimo más vulgares, pero se nos vendían como el "no-va-más". 

Pasaron más de 20 años sin que me apeteciera escucharlo y el otro día me lo volví a poner. Al fin y al cabo hay discos que no me han gustado en su momento y luego me han encantado.

El resultado fue el mismo. Su historia no está mal... está basado en una profecía de Nostradamus que auguraba para finales del siglo XX una guerra mundial seguida de mil años de paz si la humanidad elegía bien un nuevo camino a recorrer. 

Pero la dureza del sonido no significa en absoluto mayor imaginación en las canciones. 

No está mal... eso es todo. La verdad es que me dijo muy poco hace 25 años y muy poco ahora. Cuando publicaron su siguiente álbum en el mismo tono, Better than raw, dejé definitivamente de seguirles. 

Para muchos es un gran trabajo y así lo venden. Para mi no. Canciones como Wake up the mountain, Forever and one o We burn me parecen bastante normalitas para ser de Helloween. 

Para mí, un trabajo muy decepcionante que fue vendido como brillante a costa de una montaña de dinero en publicidad. De hecho les vi en directo en esa gira (también les había visto en la anterior, con Master of the rings) y su actuación me gustó muchísimo menos esta vez. 

6/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=DUAyb995X7k&list=PLf0n3jBRhYP3f_xWF3Z46dvBg534_tHBc

Annie Lennox: Medusa (1995)

Es un caso raro el de Medusa, de la excantante de Eurithmics, Annie Lennox. Porque claramente no es su mejor trabajo, y sin embargo tuvo un éxito enorme, debutando en el número 1 en Reino Unido y en el 11 en los Estados Unidos. Su idea era básicamente revisar un puñado de canciones de otros en un formato de pop electrónico y muy relajante. Y que conste que en algunos casos no le sale mal la jugada, como en el que fue si single de éxito No more i love you´s, de una banda tan estupenda como desconocida, The lover speaks. Es una buena versión... aunque no supera a la original. Y ese es exactamente el problema de este álbum: no suena mal... descafeinado si... demasiado etéreo quizás (aunque los buenos tiempos de Enya nos demuestran que eso no es en absoluto un handicap). Pero la frase del epitafio que podría tener este Medusa es, precisamente, la misma que atañe a No more i love you´s... "No está mal, pero no supera al original". De hecho en varias ocasiones se queda bastante lejos. 

Lennox escoge temas de Bob Marley, de Procol Harum, Al Green, Neil Young, the Temptations, The Clash, Paul Buchanan, Paul Simon, The Persuaders y The Psychodelic Furs... y el resultado es muy similar. Un synth pop etéreo que no llega en casi ningún momento, no ya a superar, sino a igualar los originales. 

No obstante el disco fue una sensación y llegó a vender más de 5 millones de copias. 

Es más llevadero si no conoces las canciones en las que se basa. Porque no suena mal... está bien llevado. Pero al ser versiones... la comparación es inevitable, y ahí es donde se rompe. 

6/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=EIbYBUV4FfM

Mitski: Puberty 2 (2016)

Si os gusta lo diferente, aquí una propuesta que me ha dejado todo loco. Fácil no es. Hipnótica y alucinante... eso es otro cantar. Mitski es fruto de la compleja personalidad de una chica japonesa-estadounidense que había vivido en numerosas ciudades del mundo antes de cumplir los 20 año (en 2019 tiene 27 y 3 álbumes de indie amén de otros dos de composiciones de piano). Con una mente inquieta y curiosa, es una esponja de influencias que transforma, con asombrosa lucidez, en una suerte de música indie atacada por súbitos ramalazos punk, vanguardia a espuertas y unas letras confesionales que dejan profunda huella, y que hablan de la soledad, la alienación y el sentimiento de no conseguir integrarse en ninguna parte. Puberty 2 fue su cuarto álbum de estudio, y deslumbró a la crítica con sus propuestas imprevisibles, casi alienígenas. Es un museo de originalidad. Temas como Happy, Fireworks, A loving feeling o My body´s made of crushed little stars son poemas de un alma poseída por un huracán emocional y artístico. 

Una obra maestra reciente que confundirá a más de uno en su primera escucha. 

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=5QKNg6o9SaU&list=PLe56pDdb1CO_FtpPNYO2v_W_n6s9I5FzQ

Alice Cooper: Killer (1971)

En el año 1971, la Alice Cooper Band estaba en racha. Había publicado su álbum Love it to death, que se había convertido en un éxito y les había llevado de golpe al estrellato, y a finales de año consolidaron su propuesta de música y teatralización del rock con otro trabajo extraordinario, Killer. Voy a pasar de comentar la portada porque la verdad es que es una cutrada bastante chapuza hasta para la época. por suerte el contenido es otra cosa. La psicodelia de los primeros años había ido mutando en un rock más duro, con influencias del hard, el garage y el glam, a lo que había que sumar unas actuaciones en directo delirantes en forma de teatros del horror, con serpientes, sangre y todas las truculencias que se le iban ocurriendo a Vincent Fournier, el hombre que se ocultaba tras el maquillaje de Alice Cooper.

La colección de canciones era impecable... Under my wheels es un trallazo que forma parte inapelable de sus actuaciones hasta el día de hoy... pero además contenía temazos como Be my lover, Halo of flies  y Desperado, dedicada a su amigo y líder de The Doors, Jim Morrison, que acababa de fallecer.

Un clásico.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=GsBrCX5Y5GA&list=PLBzBwYhHpqLL6Zhn6S5SxAQz-lvcR59NM

Rainbow: Finyl vinyl (1986)

Rainbow fue una banda gloriosa... pero su final (su primer final, porque  Blackmore los refundaría en repetidas ocasiones) no fue lo mejor de su historia, desde luego. Dos años después de su disolución sacaron al mercado este directo doble que tampoco era exactamente lo que prometía, ya que perdía coherencia al incluir también unas cuantas caras B de sus singles, y acababa conformando un recopilatorio que tampoco representaba lo mejor de la banda. Los solos de Ritchie Blackmore siguen siendo una genialidad, por supuesto... pero el cuerpo del disco lo conforman temas de su última etapa, muchos grabados en vivo en diferentes lugares, y no todos con un sonido limpio y trabajado. La sensación final que da es de "vamos a sacar estas cosas que tenemos en un cajón y a ver si conseguimos hacer un poco de pasta". 

Es interesante para terminar colección, pero dista mucho de ser un disco a la altura del grupo. 

6/10

También salió un video de Finyl Vinyl al mercado que resulta más interesante por verles tocar en directo. Aquí os lo dejo:

https://www.youtube.com/watch?v=KwOaiR-DBD0&list=PLA4C21D6D94E17320

Robert Johnson: The complete recordings (1990)

Todavía, a día de hoy, no sabemos como lo hace. Si estaba él solo (y lo estaba)... ¿cómo podía hacer esas cosas con la guitarra? ¿Cómo podía puntear y al mismo tiempo jugar con los bajos? Bueno... los músicos que han intentado imitarle han llegado a la conclusión (teórica porque realmente no se sabe) de que se ayudaba del pulgar (tenía unos dedos larguísimos) para jugar con los graves mientras el resto de las falanges las empleaba en las tres cuerdas más agudas. 

Robert Johnson, el primero de los muertos del "Club de los 27 años", la leyenda del blues del delta tan sólo nos dejó para la posteridad dos fotografías (solo dos) y 29 canciones (grabadas entre 1936 y 1937) que son más que un tesoro... son los cimientos de todo el desarrollo del blues en el siglo XX. 

Este recopilatorio que salió al mercado más de medio siglo después de la muerte de Johnson fue una bomba que ganó el grammy al Mejor álbum histórico. Un esencial. 

Se decía (seguramente ya lo sabéis) que Robert Johnson hizo un pacto con el Diablo en un cruce de caminos (él lo canta en su pieza maestra Crossroads) para tocar mejor que nadie a cambio de morir joven. 

Escuchar su virtuosismo, con la duda de como era capaz de tocar ciertos pasajes, alimenta inevitablemente la leyenda. 

Estamos ante una obra maestra.

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=RRY4fla4ZcI

Los Suaves: Esta vida me va a matar (1982)

Todo un referente en el rock español. Estos hijos de la gallega Orense adquirieron notoriedad teloneando a Los Ramones a comienzos de los años 80 (fue precisamente en esas actuaciones cuando crearon a su gato, Pinocho, emblema de la banda hasta el día de hoy). De hecho, hasta la portada de su álbum debut, Esta vida me va a matar, está influído por las portadas de los Ramones. 

Su rock urbano resultó fantástico. Las letras de Yosi, con fijación por la amargura, los problemas sociales, el rock y los trenes, cautivaron a los pocos oyentes que al principio les conocían (faltarían unos pocos años para que adquirieran el reconocimiento nacional que merecían). 

Como debut, es de los mejores del rock español. La producción se ha quedado muy antigua, eso es verdad. Ni siquiera creo que fuera buena cuando el disco salió al mercado. Pero el contenido es oro puro. Peligrosa María (uno de sus himnos perennes), la amarga y genial Siempre igual, el homenaje a John Lennon en Muerte en el rock, el trallazo guitarrero de Viene el tren... 

Un clásico de nuestras fronteras. 

8/10 (por la producción, que si no, más)

No está el disco completo, así que os dejo un par de temas.

Peligrosa María:

https://www.youtube.com/watch?v=dhtnTSBPUBg

Siempre igual:

https://www.youtube.com/watch?v=gcwBIeMQcXQ

Taylor Swift: Lover (2019)

Esta chica es camaleónica, y lo ha vuelto a hacer. A vuelto a dar un giro a su estilo sin perder la versátil cualidad de componer temas que atrapan a su público. O quizás no es tanto el estilo como el tono. si sus dos últimos trabajos le habían hecho abandonar la adolescencia trayendo un synth pop oscuro, dramático, desesperado incluso, de repente las nubes a su alrededor se vuelven rosas (basta mirar la portada) y su música se abre a un optimismo nuevo. 

Continúa con su camino por las sendas del synth pop ochentero, claro. Ya dejó claro que su etapa country pop era cosa del pasado. 

Si algo tiene Taylor Swift es que es una maga de las melodías. Por supuesto que se rodea de un equipo que la ayuda, pero su esencia permanece, y la diferencia del resto del divas del pop. 

Su nuevo trabajo es muy agradable de escuchar... a veces juguetea... otras veces manifiesta intenciones y principios ya maduros... juguetea con el funk y el R&B, se lo pasa bien y eso se nota. 

Canciones como The man, ME!, You need to calm down o Soon you´ll get better (junto a los Dixie Chicks), destacan tan sólo un poco por encima del resto del trabajo. 

La verdad es que está muy bien. 

8/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=p1cEvNn88jM&list=PLkqz3S84Tw-RdM_IQwtQrYJpkOmJH2Ngw

Metallica (1991)

Nadie se podía imaginar que una banda que había comenzado en un género tan minoritario como el Thrash metal podía dar un salto de gigante tan impactante y colocarse en la primera línea de las bandas más importantes de la historia. Metallica tenían a cuestas ya unas cuantas obras maestras, pese a las críticas de los seguidores más devotos del movimiento, que no dejaban de acusarles de estar reblandeciéndose y de perder la esencia germinal de sus primeros trabajos. Y era verdad. Pero eso no quiere decir que fuera algo malo. Sencillamente no querían repetirse. Querían evolucionar, trabajar nuevos matices y adentrarse en terrenos más accesibles. Bajo la producción de Bob Rock (con quien tuvieron constantes discusiones), buscaron llegar al mayor número de gente posible rebajando la complicación de las composiciones, acortando los temas hasta hacerlos radiofónicos, introduciendo baladas con orquestaciones y buscando un sonido enormemente influído por Black Sabbath. 

¿Fue una jugada comercial? ¿Estaban buscando llenar las arcas? Si. Claramente si. Pero el tiro les salió bien por la sencilla razón de que las canciones son cojonudas, el sonido parece una apisonadora, James Hetfield canta mejor que nunca y, ya de paso, al fin podemos escuchar el bajo de Jason Newsteed (a quién habían ninguneado en su anterior disco, And justice for all...). Además, es el último disco en el que el guitarrista Kirk Hammet compone solos realmente memorables (desde entonces no ha estado muy lúcido, o al menos no TAN lúcido). 

El interior es un cofre de (a día de hoy ya podemos afirmarlo rotundamente) auténticos clásicos del metal: Enter sandman, Sad but true, The unforgiven, Nothing else matters (en su día odiada por los más fanáticos del metal), Wherever i may roam, Through the never... un catálogo de temas que no tienen precio. 

10/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=DqDeH3hwxfw

Deep Purple: Scandinavian nights. Live in Stockholm, 1970. (1988)

En ocasiones tenemos que armarnos de paciencia con las grandes bandas. En el año 1988 se publicó este doble cd que originariamente había sido grabado por la radio sueca en 1970, y que nos muestra nada menos que un tempranísimo set list del recién fomado Mark II  de Deep Purple. Acababan de publicar su álbum seminal In rock, y eso suponía unas cuantas cosas. Para empezar, que se habían acabado sus días de pop y psicodelia (no digamos su fracasado intento de rock con orquesta) para entrar de lleno en el universo del hard rock. Consecuencia básica... tenían poquísimo material para sus actuaciones. Eso quiere decir que se dedicarían a lo que se les daba de lujo... improvisar. Y lo hacen poniendo a prueba la paciencia del oyente. Dos de los temas rescatados del pasado, Wring that neck y Mandrake Root, son instrumentales que duran ¡media hora cada una!. Es decir... una hora enterita del directo son delirios instrumentales, tal cual. Tocados por virtuosos, si... pero delirios instrumentales. Speed king e Into the fire siguen más o menos el desarrollo del álbum de estudio... de repente aparece una versión (que está bastante bien) del Paint it black de los Rolling Stones, una versión de Child in time que supera los 20 minutos (la más larga publicada hasta la fecha) y un cierre de fiesta con Black night. 

Sin duda queda claro que son muy buenos... pero la carencia de material compuesto revela también que les faltaba un par de discos para poder elaborar un set list realmente efectivo y que no se basara en rellenar huecos a base de virtuosismo instrumental. 

Muy interesante, eso si. Sobre todo porque tocan genial, claro.

6/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=GzWKB_dfoLA

Blind Guardian: Batallions of fear (1988)

Hay debuts y hay debuts. Cuando los alemanes Blind Guardian sacaron su primer disco al mercado distaban mucho de demostrar la creatividad y el perfeccionamiento estilístico que unos años más tarde desarrollarían con épica e imaginación. Sus comienzos son (su nombre lo pone a huevo) palos de ciego. Tienen una idea de hacia donde quieren tirar, pero áun no han desarrollado su sonido. Así que comenzaron con una mezcla básica de speed/power metal donde, a pesar de todo, se atisban algunos detalles interesantes. Sus temáticas oscilan desde el principio entre la fantasía y la ciencia ficción. Varios de los temas están dedicados a la obra de J.R.R. Tolkien (El señor de los anillos), a Stephen King  (Guardian of the blind está basado en su novela It), e incluso hay referencias a la vida de Cristo y al satanista Aleister Crowley. 

La producción es bastante chapucera (muy alejada de las cuidadas producciones de su obra posterior) y las composiciones aun no dejan ver la gran banda en la que se convertirían, aunque sí que destaca la apertura, Majesty, que los fans adoptarían como un himno. 

En cuanto a la portada... parece la de un videojuego de spectrum de los años 80, aunque sí que marca un estilo que se irá repitiendo (con innegable mejor calidad) en el futuro. 

5/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=6f7lCM2dTB4&list=PL0F7AC13FC547553D

Archers of Loaf: Icky mettle (1992)

Cuando un disco repite presencia en la mayor parte de las listas de prestigio de un género es por una buena razón. Archers of Loaf son originarios de Carolina del Norte, Estados Unidos, y cuando aparecieron en escena a principios de los años 90 se hicieron con la escena universitaria de su ciudad. Su energía era algo extraordinario. Parecían transmitir descargas de electricidad constantes. Su estilo partía del noise rock que habían popularizado bandas como Sonic Youth, pero adoptaban el aspecto melódico y la influencia de indie de quienes probablemente hayan sido su mayor influencia, los míticos Pavement. 

Icky Mettle fue el debut del grupo, y la crítica se volcó en general a su favor. Había rabia, fuerza y ganas de hacer algo nuevo. Fue grabado en apenas una semana, y varias publicaciones lo nombraron entre los mejores discos indie del año; incluso algunas de prestigio lo situaron en el primer puesto. Bajo la batuta del cantante y guitarrista Eric Bachman adquirieron un poderoso estatus inicial que les hizo telonear a Weezer. A pesar de que no fueron unos superventas y de su separación en 1998, el prestigio de Icky Mettle ha ido a más con el paso de las décadas convirtiéndose en un admirado disco de culto. 

En resumen... ¡discazo!

9/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=4ZkEob55qso&list=PLZYXYc8GWBx5LUFv0Ljr1nV5DIBtRy52D

The Pains of Being Pure at Heart: The echo of pleasure (2017)

Da gusto encontrar bandas que te sorprendan a estas alturas. A pesar de ser de Nueva York, The Pains of Being Pure at Heart han desarrollado un estilo que absorbe múltiples influencias del mercado británico, como el shoegazing y el post punk, y no es difícil rastrear en su sonido la herencia de bandas como My Bloody Valentine, Slowdive, Echo and the Bunnymen o The Jesus and Mary Chain. 

El disco anterior había decepcionado un poco a los seguidores al perder este rumbo, pero con su cuarto trabajo, The echo of pleasure, volvieron a las sendas por las que fueron reconocidos y apreciados. Y el resultado es precioso. Su sonido es muy accesible (mucho más que el de las bandas que reverencian), sus composiciones son cuidadas hasta el más mínimo detalle, tanto en la parte melódica como en la producción, y las canciones se desgranan con auténtico placer: My only, Anymore, So true...

Delicioso de escuchar (especialmente en un atardecer lluvioso).

9/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=FNGUWsnOsgM

Liz Phair (2003)

Tras tres extraordinarios discos de indie que marcaron tendencia e historia, el cuarto trabajo de estudio de Liz Phair le supuso una lapidación por parte de la crítica al mismo tiempo que se convertía en su disco más vendido. 

La chica extrema se había pasado al pop rock, y su originalísimo y personal sentido de la composición perdía de repente toda su fuerza primigenia y animal y se convertía en temas absolutamente comerciales y radiofónicos. 

Y era verdad. En parte porque la discográfica la obligó a trabajar con el equipo de producción conocido como The Matrix, que había compuesto temas para lanzar a la fama a gente como Britney Spears, Avril Lavigne y Hilary Duff. Solo compusieron 4 para el disco de Liz, pero eso le valió una crucifixión mediática. 

Bien... desde luego es un disco fácil de digerir... pero eso es porque su sonido ya no es personal, sino todo lo contrario. Se parece muchísimo al de un montón de artistas femeninas de la época... pierde identidad.
Y sin embargo, el talento de Liz Phair sí que sigue ahí. Siempre fue una sobresaliente compositora, y por fáciles, accesibles y radiofónicas que sean los temas de este disco, lo cierto es que están todos bien. Son melódicos, tienen fuerza, son pegadizos... Están bien hechos. No se le puede reprochar eso. El problema es que ya no suenan a lo que fué... y así pierden identidad, vanguardismo y fuerza. Pero no nos equivoquemos... es bueno. Todo lo bueno que puede ser a costa de sacrificar su alma, su nombre y su sonido primigenio.

6/10

Me temo que el disco no está en youtube... pero ahí van un par de temas...

Why can´t i? (video oficial)
https://www.youtube.com/watch?v=qUALb0sGdto

It´s sweet
https://www.youtube.com/watch?v=ozf1gVTdYgo

Rush: Roll the bones (1991)

Uno de mis discos favoritos de los canadienses Rush, que supieron reinventar su sonido (una vez más) para volver a darle protagonismo a las guitarras de Alex Lifeson tras varios años en donde predominaban los sintetizadores (que aquí no desaparecen, pero vuelven a un segundo plano). La temática de fondo era la suerte, el azar en la vida, pero también nuestra capacidad para decidir que si el destino que tenemos no nos gusta, es momento de tirar los dados (Roll the bones) de nuevo y cambiar de rumbo. 

El sonido de la banda se endurece en unos temas que se convirtieron casi de inmediato en clásicos... Dreamline, Bravado, Roll the bones (donde por primera vez incluyen una parte rapeada), Heresy y The Big Wheel son en sí mismas obras maestras.

10/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=Xtt0MUB93Ms&list=PL4C7FF06DA7C6D4EA

Running Wild: Pile of bones (1992)

Running Wild surgieron en Alemania como una poderosa banda de power metal y speed metal con aceleradas guitarras y coros épicos que, en general, hacían referencia al tema de los piratas. Algo que cuajaba maravillosamente bien con una música que adquiría cualidad de himnos para el público. La consecuencia fue que un montón de grupos se sumaron al carro de Running Wild, lo que dio lugar a un sub-subgénero dentro del metal que es conocido como pirate metal. 

A estas alturas, el fundador y vocalista, Rock´n Rolf Kasparek, se había convertido en el principal compositor de unos temas que ahondarían en leyendas como la vida del corsario Henry Jenning o en la obra de Robert Louis Stevenson, La isla del tesoro. 

Es uno de sus discos más laureados por sus seguidores, e incluye temas estupendos, como Whirlwind, Lead or gold, Pile of Skulls o Treasure island.

8/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=bqptvxJntDE&list=PL94gOvpr5yt1o0GSzFVmewxPMEZ3ldodp

U2: The Joshua Tree (1987)

Muchos recordamos la bomba mediática que supuso el quinto álbum de estudio de los irlandeses U2. Todo en él despertaba la sensación de modernidad, originalidad y vanguardismo, a pesar de ser una de sus obras más comerciales. Era imposible escapar de su contenido. ¡Sonaba por todas partes! Especialmente el combo de canciones inicial, Where the streets have no name, I still haven´t found what i´m looking for y With or without you. En realidad todo el contenido era una obra maestra. Bono comenzaba a sonar como un profeta gurú que se había sentado en la cima del mundo, y la guitarra de The Edge adquirió un sonido que definitivamente le identificaba respecto al resto de los seis cuerdas del panorama de rock. 

La portada del álbum y las fotografías del interior se tomaron en Estados Unidos, en el Parque Nacional de Árboles de Josué (lo que bautizaría el disco) y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte.

Fue producido por Brian Eno, y como anécdota, el orden de las canciones fue decidido por la mujer del célebre productor Steve Lillywhite, la cantante irlandesa Kirsty McColl. El grupo decidió el inicio y el cierre del álbum, y le pidió a Kirsty que eligiera el orden del resto de las composiciones, y tal cual las decidió, así quedaron. 

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=3FsrPEUt2Dg&list=PLIHqGfTiPiMWRadWXFtaSLGUI953vOTrt

The isle of Wight Festival, 1970. Message to love (1996)

Tuvimos que esperar más de un cuarto de siglo para que se publicara esta antología que recoge algunas de las actuaciones más emblemáticas del Festival de la Isla de Wight, celebrado en 1970 como un intento de replicar el Festival estadounidense de Woodstock. El problema es que el ambiente no fue igual. Las entradas se vendieron a un precio muy caro que no apoyaba las intenciones aperturistas y liberales de los músicos, y sucedieron sin parar incidentes desagradables, saqueos a las tiendas de las islas, destrozos múltiples. Una multitud acabó tirando las vallas con lo que comenzaron a colarse miles de asistentes generando un ambiente malsano, muy alejado del mensaje de paz y amor de Woodstock. 

Sin embargo, la récua de artistas que dejó su huella en estos tres días de música fue de antología de lo mejor de los sesenta: The Doors, Jimi Hendrix, Free, Leonard Cohen, Miles Davis, Ten Years After, The Moody Blues, Joni Mitchell, The Who, Kris Kristofferson, Family, Tiny Tim, los Taste de Rory Gallagher, John Sebastian... y, por si fuera poco, la presentación de dos bandas desconocidas que a raíz de sus actuaciones en Wight se convertirían en superestrellas: Emerson Lake and Palmer y Jethro Tull. 

Todo un documento histórico.

10/10

El festival de Wight en video:

https://www.youtube.com/watch?v=8mj5GIk7fJQ

Yes: Yessongs (1973)

Triple vinilo en su día, hoy doble CD, estamos ante el mejor disco en directo de la banda de rock sinfónico británica Yes. Un compendio tanto de sus excesos como de sus virtudes que recoge su energía sobre los escenarios con una formación de oro, Jon Anderson a la voz, Steve Howe a la guitarra, Rick Wakeman a los teclados, Chris Squire al bajo y Alan White a la batería, presentándonos la gira de su obra maestra Close to the edge (si bien, dos de los temas fueron grabados durante la gira del álbum anterior, Fragile, y en ellos está su percusionista original, Bill Brufford). 

Y es puro Yes. Algún tema es sencillamente igual a los publicados en estudio, pero la mayoría suponen variaciones llenas de virtuosismo en donde destacan, como no podía ser de otro modo, los solos instrumentales de sus egocéntricos miembros, que eran capaces de presentar batalla con tal de tener su momento de protagonismo. 

El repertorio es de antología... toda una selección de sus mejores clásicos con momentos únicos como Heart of the sunrise, And you and i, Starship trooper o el solo de teclado de Wakeman en el que recupera fragmentos de su disco en solitario The six wives of Henry VIII. 

Un trabajo que cierra la mejor etapa de Yes.

9/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=RZq2JYYKzmo

Ramones: Subterranean jungle (1983)

Los discos de los Ramones siempre son buenos. Te pueden gustar o no, pero si te conviertes en seguidor, entonces no te defraudan. 

Y eso que en lo referente a este trabajo pasaban una mala época personal. Joey y Marky tenían severos problemas de alcoholismo, Dee Dee era directamente drogadicto de numerosas sustancias, entre ellas la heroína, claro. Y sólo Johnny permanecía más o menos estable para hacerse cargo del grupo. A él se debe el giro de sonido que les devolvería un poco a sus orígenes... guitarrazos más rápidos, retorno al punk rock, y una nueva revisitación de clásicos del surf  y el garage, como sus versiones de Little bit o´soul de The Music explosion y time has come today, de los Chambers Brothers. Lo cierto es que como siempre nos encontramos con temas que son trallazos en su discografía, especialmente las geniales Outsider y Psycho therapy, aunque también hay que mencionar otros como la más desconocida In the park, injustamente en segundo plano. 

Detalle curioso... Johnny ya estaba en plena campaña para echar del grupo a Marky Ramone, así que cuando se tomaron la icónica foto de la portada situó al batería tras la ventanilla para que se le viera lo menos posible.

9/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=1WVYMAuMYSA&list=PL1rqKy-qgfNnVgSHrHupYRdOp5Tyr1Vkr

John Lennon: Imagine (1971)

Supongo que tengo que empezar con una reafirmación que le tocará las pelotas a todos los mitómanos: Lennon es mi compositor favorito dentro de los Beatles, pero su carrera en solitario a mí no me entusiasma. Creo que nunca alcanzó las cotas de originalidad que si eran patentes cuando estaba con los de Liverpool, aunque eso no quiere decir que fueran malos discos naturalmente. Simplemente que no llegó tan alto.
Imagine es a día de hoy un mito. Un clásico. Un álbum cuyo tema estrella conoce probablemente casi toda la humanidad. No es ningún secreto que el sonido de Lennon se ablandó mucho. Le acusaron de haberse vuelto extremadamente comercial, y él se defendió alegando que los mensajes que quería transmitir entraban mejor en la audiencia si estaban bañados de azúcar. Es como decir que es profeta por encima de músico (una afirmación muy pretenciosa), así que mejor no tengamos en cuenta esa defensa.
el disco suena muy bien, eso está claro. Temas como Jealous guy o I don´t want to be a soldier son emblemáticos, y la producción de Phil Spector resulta adecuadamente edulcorada. Además, Lennon contó con la colaboración de algunos músicos de renombre, como el batería Alan White o su compañero en los Beatles, George Harrison.
Sí me gusta... pero tampoco me parece la obra maestra que nos han vendido siempre.

8/10

El disco completo (aunque en desorden):
https://www.youtube.com/watch?v=5pQ9To3DMuo&list=PLr99rnVSBqGAVbJuudUbRFGl-S1PuYs-5

Bell Witch: Mirror reaper (2017)

La verdad es que no conocía a Bell Witch, y que los escuché por la curiosidad que me despertó la portada de este disco, que no me negareis que es acojonante (una pintura titulada "Esencia de libertad" del artista polaco Mariusz Lewandowski). 

Lo que nos vamos a encontrar es un Doom Metal angustioso, melancólico, con muchos retazos de talento y, eso sí, una cualidad de letanía repetitiva que se puede llegar a hacer un poco pesada. El trabajo es un homenaje a su recién fallecido batería, y consta de una única pieza de 80 minutos que suena como la banda sonora de un juego de "La llamada de Cthulhu". Es prácticamente instrumental, aunque está acompañado de múltiples coros y voces guturales, y lo más curioso es que prescinden del protagonismo de la guitarra para crear un pozo sonoro basado en el bajo, la percusión y el órgano. Para escucharlo concentrado resulta un poco monótono... pero como banda sonora mientras se lee un libro de Stephen King resulta de lo más estimulante.

7/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=10q1ZJyLXFk&t=2021s

Angra: Temple of shadows (2004)

Los brasileños Angra parten de una tradicional concepción de power metal fundiéndolo con un sonido progresivo... algo casi obligatorio en este tipo de grupos, que suelen tener como principal handicap, precisamente, las limitaciones que ofrece un género que es considerado sagrado por sus seguidores, que no consienten que sus gurús se salgan del camino correcto. Y sin embargo, dentro de ese sonido tan generalizado en el power metal, Angra consiguen numerosos momentos de originalidad, de sonidos que juegan con las músicas del mundo, el medievalismo, la guitarra española y ecos de flamenco, incluso. Es precisamente este toque de especias exóticas lo que les hace destacar con este trabajo, su quinto disco de estudio. Con las colaboraciones especiales de Hansi Kursch (Blind Guardian) y Kai Hansen (Helloween, Gamma Ray), este álbum conceptual nos narra la historia de un caballero medieval al que un rabino augura que ha sido elegido por Dios para realizar una tarea sagrada, lo que dará lugar a una historia épica de tragedias, batallas y revelaciones. 

Tiene grandes momentos... Angels and demons, Wishing well, No pain for the dead... 

Consiguen una pieza realmente bonita dentro del género. 

9/10

El disco completo:

https://www.youtube.com/watch?v=8mbaYR0vP7Y

Jethro Tull: This was (1968)

El debut de Jethro Tull hace ya más de 50 años era el cruce de talentos entre Ian Anderson (que pronto se adueñaría de la criatura) y el guitarrista Mick Abrahams, que impone su presencia derivando el sonido hacia un blues primigenio (casi prehistórico, pero cargado de una fuerza arrolladora) y un jazz casero, de pub lleno de humo. 

aún estaban absolutamente alejados del sonido entre folk y Progresivo que pronto les caracterizaría, y en muchos aspectos es como si estuviéramos hablando de una banda completamente diferente. Pero llena de talento. Ya eran conocidos antes de publicar este debut que supone una rareza en su discografía, pero cargada de momentos deslumbrantes, como A song for Jeffrey, My sunday feeling y Beggar´s farm. 

Dicho esto... si además añadimos la edición por los 50 años que ha sacado Steven Wilson, con varios cd´s y en donde se añaden los singles y canciones perdidas amén de varias actuaciones en directo... pues ya es la polla en verso. 

El disco: 8/10.       La edición especial "50th anniversary edition": 10/10

El álbum completo:
https://www.youtube.com/watch?v=2shXfsqOXwM&list=PL8a8cutYP7frqPhZUXIlzPFyAWH15AMa0

Iron Maiden (1980)

El debut de Iron Maiden es como una película de serie B de las que son cojonudas. La producción no era demasiado buena... de hecho el productor Will Malone no estaba interesado en ellos ni pensaba que fueran a despegar, así que les dejó producir su propia música sin que ellos tuvieran ni idea de cómo iba el estudio. Además, aun contaban con el guitarrista Dennis Stratton, con quien no había demasiado buen rollo y que sería despedido al poco tiempo. 

Pero... ¡sorpresa! A pesar de su aparente marginalidad inicial, su amateurismo y su eclecticismo, fruto de la búsqueda de un sonido personal más que de algo pensado, el resultante fue cojonudo. El bajista Steve Harris, el guitarrista Dave Murray (junto al ya mencionado Stratton), el batería Clive Burr y el cantante Paul Di´Anno (al que también le quedaba poco en el grupo) crean un debut sólido, enormemente imaginativo que adquirió notoriedad por su entonces difícil clasificación. Las primeras críticas lo definían como punk (probablemente no lo escucharon y solo se fijaron en el peinado que Eddie, la mascota de la banda, luce en la portada), pero estaba, si no definiendo, si trabajando las futuras bases del heavy metal británico (junto a sus compañero de generación Judas Priest y Saxon, por supuesto). 

Sus canciones, aunque no todas encajan con el estilo posterior de los Maiden, son realmente de antología (todas). Remember tomorrow, Phantom of the opera, Transylvania, Running free, Iron Maiden... 

El grupo siempre ha despreciado un poco este disco por su sonido precario (en comparación con sus posteriores trabajos), pero a pesar de eso ha alcanzado el estatus de mítico.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=Klwbz6aXY6U&list=PLPf69IGxwfBGe1KrczrDG4PBHdC-RigPg

Genesis: The way we walk (2002)

Este directo de la gira We can´t dance de 1992 se editó con la "nada manipuladora" maniobra comercial de publicarlo en dos partes independientes que se subtitulaban The shorts y The longs... es decir, que uno de los discos constaba de los temas cortos del concierto y el otro de los largos... aunque finalmente podemos encontrar ya una edición que reúne a ambos.

A lo que íbamos. Que suena bien... de eso no hay duda. Genesis siempre han sido una banda extraordinaria con músicos estupendos. En esta ocasión, al trío central formado por Mike Rutherford, Phil Collins y Tony Banks se une el genial batería Chester Thompson (que había estado con Frank Zappa) y el guitarrista habitual de Collins en solitario, Daryl Stuermer. Pues eso... suenan bien y la producción es muy buena. Incluso demasiado buena. Tanto, que a menudo nos olvidamos de que es un directo, y a veces parece más un recopilatorio del grupo. 

Dicho esto... bueno, no descubro nada si afirmo que la gran época de Genesis, la más vanguardista y original, es la que tenía a Peter Gabriel como frontman. Con lo que lo que nos vamos a encontrar aquí es... pues lo contrario. La parte más comercial, exitosa, melódica y facilona del grupo. 

No nos equivoquemos... hay mucha gente que odia la etapa de Phil Collins... yo no. Me gusta, aunque no me entusiasma tanto como la de Gabriel. Pero hay que ser justos. Hay mucha diferencia entre los inicios de Genesis y lo que aquí nos encontramos. 

Bueno... si, claro, es bueno. Tocan de puta madre y clavan los temas. Ahora bien... salvo en ciertos momentos, no da la impresión de asistir a algo que se crea, se improvisa y aporta elementos nuevos... sino más bien a una manida y calcada interpretación de las canciones tal y como aparecían en sus álbumes de estudio. 

Se oye muy bien, se disfruta... pero no es ninguna perla. 

7/10

El concierto en video:

https://www.youtube.com/watch?v=NrZuvCQsJfk

John Mayall: Blues from Laurel Canyon (1968)

¡Oh, yeah!
¡Pedazo de ración de solomillo de buey! Tras romper con los Heartbreakers y experimentar un poco con el jazz fusion, el maestro Mayall vuelve a los terrenos en los que es un supermúsico... el blues. Y para ello se hace con una banda en la que despunta un jovencísimo y excelente guitarrista llamado Mick Taylor (que muy pronto pasará a engrosar las filas de los Rolling Stones), a un batería desconocido llamado Colin Allen (que posteriormente tocaría para Bob Dylan, Donovan, Johnny Lee Hooker y Salomon Burke, entre otros) y el bajista Steve Thompson.
El resto os lo podéis imaginar... más que nada porque este es uno de los mejores álbumes de blues blanco de todos los tiempos. sin concesiones. La presencia de Peter Green en uno de los temas, el ambiente que evoca el Laurel Canyon californiano a donde el músico británico se había ido a vivir, las letras que hablan de muchos de sus conocidos, como Frank Zappa o la banda Canned Heat, la evocación a la famosa grouppie Catherine James (que era una preciosidad)... son el condimento de esta obra maestra que no hace sino ganar con el pasó de las décadas, como los grandes vinos.

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=ZxANa65nwfU

Firehouse: Hold your fire (1992)

Buaahhh!... Esto sí que es una reliquia para mí y uno de mis primeros vinilos allá por 1992. Cuesta recordar que en aquel momento fueron más que muy conocidos... y tras su debut (que vendió un millón de copias), este segundo disco sonó a todas horas por la MTV. Especialmente su balada mega-super-cursi-bonita When i looked into your eyes. ¡Se oía a todas horas! Sleeping with you era otra que se te metía en la cabeza hasta que te subía el azúcar.

Eran pegadizos, con su AOR melódico disfrazado de rock duro, y por supuesto, tan rápido como fueron conocidos se olvidaron. 

A día de hoy se han quedado muy viejos. No van más allá que otras bandas mejores del género, y quedan como anécdota. Como algo que sonó bastante pero que no dejaba una huella que pudiera sobrevivir al tiempo. 

A mí me dan morriña... pero poco más. 

5/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=9oyAHUfbii0

Asia: Live in Moscow (1990)

La edad de Oro de Asia duró muy poco. si su primer álbum había conjugado con maestría el progresivismo y la comercialidad para convertirse en un hit mundial, con el segundo dieron un giro más descarado hacia el pop que no acabó de solucionar su tercer trabajo. La marcha del guitarrista Steve Howe por sus contínuas discusiones con John Wetton dejaba claro que había un desequilibrio interno. Asia se desvanecieron y no reaparecerían hasta 1989 con un recopilatorio que les sirvió de excusa para organizar una lucrativa gira. A los miembros originales, Wetton, el batería Carl Palmer y el teclista Geoff Downes, se uniría el guitarrista Pat Thrall... y aquello daría pie a este directo en Moscú.
Suena bien... está claro que son grandes músicos... pero es fruto de una gira de enrriquecimiento en la que sólo se unieron para hacer dinero. No había proyecto detrás... y de hecho tras el tour John Wetton abandonaría el barco.
El concierto es un repaso a sus grandes éxitos... su etapa más comercial... bien interpretada, eso sí. Downes se las apaña para incluir en su solo de teclado (como hacía antaño, por cierto) su antiguo éxito de The Buggles Radio killed the radio star, mientras que Wetton, que había militado en Knig Crimson, interpreta de manera sencilla dos de los mejores temas de la banda del Rey Púrpura: Starless y The Book of Saturday.
Y ya de paso, por incluir algo más, añadieron una canción grabada en estudio, Kari-Anne, pegadiza, efectiva, tampoco una genialidad.

7/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=El53cu1YfPw

Ropa Música Chicos. - Viv Albertine-

La autobiografía de la ex-guitarrista de The Slits y actualmente música en solitario es sin duda una obra sincera, realmente íntima y uno de los libros que han conseguido meterme de una manera casi astral en la mente de una mujer. Sólo por esa razón ya tiene un mérito extraordinario. No es un escaparate de excentricidades musicales, sino una narración honesta y cercana de su vida, su acercamiento al mundo del Punk, su amistad cercana con la gente que protagonizaba el movimiento, Sid Vicious, Malcolm MacLaren, Mick Jones, Johnny Thunders, Johnny Rotten... y por supuesto sus compañeras en las Slits, Ari Up, Tessa y Palmolive.
No es un retrato alocado e histriónico, sino justamente lo contrario. Es el testimonio de una mujer que se ha enfrentado a dos vidas diferentes, la antisistema y la ortodoxa... y que sin encajar en ninguna ha acabado buscando un camino personal a costa de miedos, inseguridades y talento.
Seguramente uno de los libros más sinceros que he leído nunca.