lunes, 2 de diciembre de 2019

The Shins: Oh, inverted world (2001)


Surgidos en Alburquerque, Nuevo México, The Shins debutaron con un álbum que fue alabado y laureado hasta la saciedad por su pop indie de factura casi perfecta. Grabado en su mayor parte en el sótano de la casa de su líder, James Mercer, pronto se convirtió en una sensación, en particular gracias a la inclusión de dos canciones (Caring is creepy y New slang) en la banda sonora de la película Algo en común. El disco es muy tranquilo, reflexivo, cargado de letras surrealistas. New slang no sólo fue bien recibida a pesar de su letra deprimente (Mercer estaba pasando por un tiempo de tristeza crónica y de distanciamiento de sus amigos), sino que su videoclip resultó todo un homenaje a algunos de los grandes discos indie de la historia (en las imágenes los miembros de The Shins replican las portadas con ellos de protagonistas): en concreto se replican el Zen Arcade y el New day rising de Husker Du, el Let it be de The Replacements, Moon pix de Cat Power, Double nickles on the dime  de The Minutemen, el sister  de Sonic Youth y el Spiderland de Slint, todos obras maestras del género y bastante desconocidas para el gran público, lo que supone toda una declaración de intenciones. 
Una genialidad para nerds.

10/10

El disco completo (incluye el videoclip de New slang)

Angel Olsen: My woman (2016)


Angel Olsen se ha convertido en poco tiempo en uno de los mayores exponentes del pop indie internacional gracias a un gusto exquisito en sus composiciones, unas letras honestas y abiertas que desnudan su personalidad y una intencionalidad introvertida que la confiere un toque de lejanía. Para cuando sacó al mercado este tercer disco de estudio los medios de comunicación ya la adoraban. Con influencias rastreables que van desde Fleetwood Mac al Glam rock, del country a Crazy horse, de los 70 al grunge, nos ofrece una pensada y cuidada selección de temas que decidió dividir en dos partes como si se trataran de las dos caras de un vinilo. en la primera se muestra optimista, con ganas de comenzar el día. en la segunda parte se queda agotada, se vuelve melancólica, se va apagando con brillantez reflejando un día de "montaña rusa emocional" y nos deja finalmente en nuestra soledad y reflexión. 
Estupendo. 

8/10

El disco completo.

miércoles, 13 de noviembre de 2019

Daniel Lanois: For the beauty of Wynona (1993)


Ya estamos tocando los cojones con raritos que no conoce ni su puta madre. ¿No es eso lo que habéis pensado? Bueno... es evidente que su nombre no resuena como el de, digamos, Michael Jackson... pero ¡ojito! Porque el canadiense Daniel Lanois no es precisamente un desconocido. De hecho es más que probable que, si sois mínimamente aficionados a la música, algún libreto de vuestros discos tenga su nombre dentro. 
Lanois es, esencialmente, un gran (¿gran? ¡Un número uno!) productor discográfico. Su concepción del sonido, las densas atmósferas que crea, su particular manera de distorsionar los instrumentos para conseguir efectos insólitos, le convirtieron en objeto de adoración por parte de las bandas con las que trabajaba. ¿De qué estamos hablando?
Daniel Lanois es nada menos que el productor de obras maestras como, por ejemplo, la mayor parte de los mejores discos de U2 (The unforgettable fire... The Joshua Tree junto a Brian Eno... Acthung baby!)... de la época más comercial (igualmente magnífica) de Peter Gabriel (sus álbumes So y Us)... ayudó a Bob Dylan  a resurgir en los años 90 produciéndole discos como Oh mercy y sobre todo el fantástico Time out of mind... dirigió a la enorme Emmylou Harris en su obra Wrecking ball... y acumuló en sus estanterías premios por trabajar con Neil Young, Sinead O´Connor y hasta The Killers.
Creo que ya queda suficientemente claro que no es un mindundi surgido de la nada. 
Pero es que además es músico y compositor. Y como no necesita vivir de eso, compone por placer una música personal, profunda, enormemente atmosférica y de exquisita factura. Una suerte de pop alternativo original, con letras que narran historias muy trabajadas y sonidos que te arrastran como un río de lava seca a través del desierto. En sus canciones hay pantanos, hay polvo, hay habitaciones oscuras sin ventilar, hay un viaje al corazón de los indígenas americanos. 
For the beauty of Wynona fue su segundo disco de estudio... y no fue ni mucho menos un superventas. Fue algo subterráneo, desconocido, un boca a boca apabullante en el mundo de la música. Lo que había dentro era oro. Algo personal, precioso... una bicoca que poca gente conocía, pero los que lo hacían lo admiraban con devoción. 
Desde su inquietante portada hasta la última pista, da la sensación de adentrarnos en terreno prohibido. En algo que pocos han escuchado, y en consecuencia se vuelve más personal y apreciado. 
Naturalmente se ha convertido en una obra de culto. Uno de esos trabajos que sacas de tu colección enseñándoselo a un amigo que ama la música y diciéndole (con egocéntrica satisfacción) "esto no lo conoces y es fantástico".

9/10

El disco completo:

jueves, 7 de noviembre de 2019

Weyes Blood: Titanic rising (2019)


Atención a esta chica porque ha compuesto el que probablemente sea el mejor disco de este 2019. No es que lo diga yo... ha sido tan aclamado, laureado y apoyado que si buscáis os daréis cuenta de que aparece en todas las listas más importantes de crítica anual... y en muchas de ellas, efectivamente, en el primer puesto. 
Weyes Blood es el nombre artístico de Natalie Mering, basado en una novela de Flannery O´Connor llamada  Wise Blood (sangre sabia). Y está bien elegido: a sus 31 años ha publicado 4 trabajos y cada uno de ellos ha sido tratado con un respeto y una devoción inusuales. Su música es impresionante, etérea, , compleja, plagada de complejas instrumentaciones y adornos. Un viaje onírico que cabalga entre el pop barroco y el dream pop con un cierto aire de psicodelia. Su madurez artística es un hecho. Su manera de cantar es grave, profunda, una invasión del inconsciente. La portada refleja a su vez esa idea... la inmersión representa el refugio del subconsciente, el lugar al que huímos y donde acabamos forjando nuestra identidad. 
La propia Mering ha dirigido los videoclips de tres de sus temas... y no están mal... aunque cuando veáis sus coreografías os entrará la risa (aun le queda currarse esa parte. Es una compositora genial pero no sabe moverse).
Weyes Blood  es una de las apuestas a la calidad más poderosas que podemos encontrarnos en el mercado actual. Enormemente creativa, con un gusto exquisito, y una personalidad propia, arriesgada, que no teme internarse en sendas pretenciosas y sacar de ellas composiciones de enorme envergadura artística. 
El aplauso de público y crítica ha sido unánime. En su cabeza  hay auténtico genio.

10/10

El disco completo.

Jethro Tull: Stormwatch. (1979) The 40th anniversary forced edition (2019)




Stormwatch es para muchos el último gran álbum de Jethro Tull. El final de la trilogía folk que comenzara con Songs from the wood y continuó con Heavy horses. Es también el álbum más pesimista y deprimente de los tres. No sólo por la temática. Las canciones nos advierten de que la devastación de la tierra puede acabar con la especie humana, y es en cierta manera una suerte de manifiesto ecologista que pide una renovación de los intereses económicos y advierte sobre los peligros del petróleo. 
Pero hay algo más que hace de este disco uno de los más oscuros y tristones del grupo. El bajista de la banda, John Glascock, estaba muy enfermo. Padecía una grave dolencia cardíaca y empeoró durante las sesiones de grabación de Stormwatch. Tanto es así que sólo pudo grabar tres canciones antes de ser hospitalizado. El líder de la banda, Ian Anderson, se encargó él mismo de la labor de tocar el bajo. 
Apenas dos meses después de la publicación del disco, Glascock fallecía a la edad de 28 años. Esto supuso el final de la formación más clásica de Jethro Tull. Tras la gira, la mayor parte de los miembros se desligaron del grupo al no compartir la nueva tendencia de Anderson, que quería abrirse a los sonidos de la nueva electrónica. 
Esta edición es otra nueva obra maestra remasterizada por Steven Wilson. Una joya formada por 4 cd´s y 2 dvd´s. 


Además del disco, incluye todo un cd con grabaciones asociadas... y otros dos con una actuación completa de Jethro Tull en Holanda en 1980. ¡Casi nada! Todo un tesoro que viene a sumarse a una de las mejores reediciones de la discografía de una banda que se hayan hecho nunca.

10/10

El disco original completo:

viernes, 4 de octubre de 2019

Wolf Alice: Visions of a life (2017)


Leí que un crítico había definido a Wolf Alice como "un caos desorganizado de fantástico indie". Y la verdad es que está bastante bien traído como definición. Hay efectivamente un cajón desastre de grandes ideas que cuando se materializan dan lugar a canciones cojonudas. Su sonido absorbe múltiples influencias, desde el shoegazing (la colosal Heavenward), pasando por el punk más rabioso (Yuk Foo) hasta melodías de pop realmente evocadoras (Space and time). Su vocalista, Ellie Rowsell, acaba haciéndose la protagonista en lo que en ocasiones se convierte en un torbellino de distorsiones que no destruye las buenas ideas, pero que si es un indicio de la juventud del grupo, de sus ansias de conseguir un sonido particular, y de un afán experimental que quizá haya que madurar un poco... pero que no deja de ofrecer un puñado de canciones realmente fuertes, hipnóticas y que dejan huella. 

8/10

El disco completo:

jueves, 3 de octubre de 2019

Amazing Blondel: England (1972)


Se les ha llamado folk progresivo en un intento de clasificar sus composiciones basadas en la música isabelina del siglo XVII. Lo cierto es que son únicos. Los británicos Amazing Blondel comenzaron siendo una banda de proto-heavy metal llamada Mathuselah, pero decidieron cambiar de aires y pasarse al folk más delicado, lírico y extraordinario que hayáis oído en la vida. Sus trabajos son ejemplos de obras maestras del género en todos los sentidos. Auténticas resonancias pastorales de otro tiempo. 
England es una de sus obras más reconocidas, y es un disco perfecto, en el sentido literal de que nadie se atrevería a mejorarlo. Son prácticamente pinturas del campo, de los pueblos, de la vida humilde inglesa. Un viaje en el tiempo de exuberante belleza.

10/10

El disco completo:

Rhiannon Giddens (with Francesco Turrisi): There is no other (2019)


Rhiannon Giddens es una obra maestra en sí misma. Multipremiada, alabada hasta la babosidad por la crítica, aclamada como genial por músicos y público... No es descabellado afirmar que es una de las mejores vocalistas actuales con mucha distancia respecto a las que le siguen. 
En esta ocasión se ha aliado con el percusionista Francesco Turrisi, lo que supone un cruce de culturas. Giddens se ha alimentado de la herencia del folk de raíces y de la música clásica; Turrisi, del jazz y de la música Antigua. La fusión de ambos lleva a una música muy primigenia que tiene múltiples ecos mediterráneos, en donde el banjo de Rhiannon suena como si hubiera salido del cielo (o el infierno), y donde las músicas se desarrollan a menudo como un trance o una invocación. 
A veces resulta un poco repetitivo quizá... pero la garganta prodigiosa de Giddens y las evocadoras melodías llenas de matices acústicos no tienen precio. 
El título... There is no other (no hay otro) es una sutil indirecta social... No hay otro, no hay grupos, somos una unidad humana. 

7/10

El disco completo pero desordenado:


Barón Rojo: Larga vida al rock´n roll (1981)


La aparición de Barón Rojo supuso uno de los momentos más refrescantes y renovadores del panorama nacional. Los hermanos Carlos y Armando de Castro dejaron aparcado su proyecto anterior, Coz, para entrar de lleno en el terreno del rock duro de sus venerados AC/DC y The Who, y se unieron al bajista José Luis Campuzano "Sherpa"y al batería Hermes Calabria consiguiendo una de las formaciones más añoradas de nuestras tierras. 
Y su primer álbum ya mostraba esa pasión por lo que querían hacer (y que no era nada habitual en España). Rock divertido, fuerte, con canciones entrañables (inútil entrar en las letras. Son infantiles y siempre lo han sido, hasta cuando pretenden ser críticas, pero es que no importa).
su canción con botas sucias ocultaba un ¿homenaje? a su compañía de discos anterior, CBS... pero los temas más recordados son sin duda Larga vida al rock´n roll y sobre todo Barón Rojo, el homenaje al célebre aviador de la primera guerra mundial Manfred Von Richtofen , un auténtico as de la aviación y una leyenda
Por cierto que el disco se publicó poco después del asesinato de John Lennon, por lo que está dedicado a su memoria. 

8/10

El disco completo:

Alicia Keys: As i am (2007)


La entrada de Alicia Keys en el mundo de la música fue un huracán que la llevo del desconocimiento a la fama de manera automática. Su voz era increíble, y su manera de enfocar el R&B era inusualmente seductora. Para cuando publicó este tercer trabajo de estudio ya era una sensación en el planeta, con amantes y detractores por igual entre la crítica. Y en este caso no fue diferente. A su música se añadieron secciones de viento y un toque pop más acentuado. 
El trabajo volvió a ser bueno, y su single No one consiguió que vendiera más de 700.000 copias en su primera semana. Quizá resulta menos original que sus dos primeros trabajos, pero el gusto interpretativo de Alicia Keys es indiscutible, y eso hace que se escuche con gusto, aunque no sea una pieza clave ni mucho menos. 

7/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=p0xBUFaYg9Y&t=767s

Aerosmith: Live bootleg (1978)


Eran los días de gloria de Aerosmith. Se ponían hasta arriba de toda clase de sustancias, montaban espectáculo continuo en los medios y no dejaban de hacer giras arrasadoras. Estaba claro que era el momento de publicar un álbum en directo, y lo hicieron de manera humorística, haciendo sarcasmo sobre la cantidad de discos piratas que circulaban en las tiendas y de su ínfima calidad. Así que no sólo diseñaron una carátula propia de la clandestinidad más cutre, sino que (conscientemente) equivocan el orden de las canciones en la contracubierta (e incluso hay alguna que no aparece) para recalcar esa falta de formalidad. 
Pero dentro sólo hay una cosa... rock n´roll. Rabioso, enérgico, apabullante, demencial... una selección de clásicos de su primera etapa grabados en su gira de 1977-1978... más un par de grabaciones en la radio de 1973. Además de temas inevitables, como Toys in the attic, Walk this way o Sweet emotion encontramos una de sus primeras grabaciones del clásico de los Beatles Come together... y dos versiones que se han convertido en rarezas en la carrera del grupo... I ain´t got you de los Yardbirds y Mother popcorn e James Brown
Un gran directo de rock puro.  

8/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=X7WyuMWuSdE&t=1169s

Ween: Pure guava (1992)



Vale... pues si tenemos que empezar por la portada del disco solo hay una cosa que decir... ¡vaya puta mierda!
Ahora bien... lo que hay dentro es, como reza el título del álbum, guayaba pura. Ween son únicos. Su música alternativa parece compuesta en otro planeta, una especie de hija bastarda de Frank Zappa y el pop más estrambótico y loco que alguien pueda imaginarse. Las composiciones de la banda son tan extravagantes y humorísticas que algunos críticos les consideraban unos creadores de parodias. Pero hay mucísimo más en Ween. Un auténtico espíritu creador, transgresor, que huye de las convenciones para ofrecer algo sorprendente y diferente.
Aunque ya tenían bagaje, Pure guava fue el primer trabajo que rodaron con una compañía grande de discos, en este caso Elektra. Para mantener su sonido lo-fi usaron material tan sofisticado como casetes (usadas) que llevaban en el coche porque sencillamente no tenían dinero para comprar otras nuevas... y sobre ellas hicieron el milagro de un trabajo que lleva casi 30 años sorprendiendo a la crítica. Humor ácido, un despliegue de melodías capaces de volver loco al Joker, pero que al mismo tiempo mantienen un curioso tono pop que hace que sean rápidamente digeribles (una vez pasada la fase inicial de "¿qué coño estoy escuchando?").
La canción Push th´little daisies fue toda una sorpresa que llegó de manera amplia al público alternativo y que se convirtió en un inesperado super hit en australia.
Ween son la esencia de lo que debe ser un grupo. Algo diferente, único, atrapador y tremendamente divertido.
Y si aceptáis su propuesta... lo vais a disfrutar.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=M4eDmPYJd5M&list=PL82A658F4293132A4

jueves, 26 de septiembre de 2019

Savatage: Handful of rain (1994)


Es interesante hablar de este disco porque, a pesar de ser muy bueno, no es en absoluto lo que nos venden. Es una ilusión, y retrata muy bien como se venden las cosas al público en momentos de crisis.
Savatage estaban deshechos. La muerte de su genial guitarrista Criss Oliva (hermano del ex cantante del grupo y todavía su principal compositor y pianista, Jon Oliva) fue un mazazo difícil de superar. El batería Steve Wacholtz no quería saber nada de la banda, y aunque aparece acreditado (primera ilusión), sorprendentemente en la foto del interior quién aparece no es él, sino el que será el siguiente percusionista de Savatage, Jeff Plate, que tampoco toca aquí. 
El bajista, Johnny Lee Midleton, estaba muy triste por el fallecimiento de Criss y se tomó un descanso (es decir, tampoco toca en el disco, aunque aparece acreditado como bajista, segunda ilusión).
¿Entonces? Pues fue cosa de Jon Oliva que, aunque estaba en otros proyectos, no quiso dejar que el grupo muriera. Así que por su cuenta y riesgo escribió nuevas canciones, y tocó todas las bases instrumentales él solo: es decir, Jon se encarga de la batería, el bajo, el piano y las guitarras rítmicas. Eso sí... contrató al guitarrista de Testament, Alex Skolnick, para que tocara los solos (muy buenos, aunque no llegan a la limpieza de Criss Oliva) y mantuvo también al cantante de los últimos años de Savatage, Zachary Stevens.
Dicho de otro modo... en realidad es un disco de Jon Oliva... pero en los créditos aparecen Savatage como músicos y compositores aunque ni siquiera pasaran por el estudio. 
Dicho esto... el trabajo es muy bueno. Hay temas absolutamente increíbles, en particular Chance, que con su juego de voces corales marcaría el camino a seguir para la banda (en sus siguientes trabajos usarían una y otra vez cánones vocales). Pero además hay un tema dedicado a Criss, Alone you breathe, que es una preciosidad de canción y que incluye pequeños homenajes a algunas de las baladas más bellas de grupo. 
Algún tema no llega a la altura... otros, como el que da título al disco, Handful of rain, son creativos y preciosistas. 
El disco es una ilusión. Parece de Savatage aunque no lo es exactamente. Aun así es un gran trabajo y vale la pena. 

8/10

El disco completo:

Metallica: Garage Inc. (1998)


Lo cierto es que para hablar de este trabajo de versiones de Metallica tenemos que irnos, no a la fecha en que se publicó Garage Inc, (1998), sino casi una década antes, al año 1987. El bajista Cliff Burton acababa de morir, y la banda acababa de hacer ingresar en sus filas al bajista de Flotsam and Jetsam, Jason Newsted. Y lo primero que hicieron fue dedicarse a grabar con un sucio sonido garajero varias versiones de las bandas que más les gustaban, como Diamond Head, Misfits, Blitzkrieg, Queen  o Budgie, entre otras. Aquel material salió al mercado en 1987 en una edición limitada que se llamó Garage Days Revisated... y arrasó entre sus seguidores. Las copias desaparecieron y no había manera de encontrarlas por ninguna parte. Por cierto que tenía otra portada, claro. Esta.

¡Qué yogurines estaban aun! Bueno... pues pasa casi una década y tras el Black álbum que arrasó en ventas Metallica decidieron ponerse a trabajar en sonidos distintos (que les llevarían a sus trabajos Load y Reload), y con la presión y el miedo a la reacción de los fans, decidieron entretenerse volviendo a grabar temas de sus grupos favoritos. Y, ya de paso, incluirían además el mítico Garage days revisated como anexo. 
El resultado fue un doble cd estupendo de versiones, muchas de los cuales tocaron en directo durante años. Hay momentos increíbles, como el Am i evil? de Diamond Head, el Breadfun de Budgie, Last caress (que supera con mucho a la original de Misfits), Sabbra Cadabra de Black Sabbath... 
Se lo pasan bien, y eso lo transmiten de principio a fin, y aunque ha transcurrido casi una década entre las primeras grabaciones y las que cierran el álbum, consiguen que el sonido sea coherente (se nota, pero es coherente) y mantiene un espíritu amateur muy fresco (es decir... estamos grabando en plan colegas y para divertirnos).
El resultado fue un éxito... y es un disco referencial en lo que se refiere a trabajar con versiones. 
Bueno y, sobre todo, muy divertido.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=uFXa8zPvexo

Deerhunter: Why hasn´s everything already disappeared? (2019)


Pues es el primer disco que escucho de Deerhunter y me ha encantado, oye. Estos chicos se formaron en Atlanta, y practican lo que ellos mismos llaman ambient punk (supongo que les apetece sentir que han inventado algo nuevo). No creo que sea el caso, pero desde luego han conseguido un estilo de lo más efectivo que combina sonidos noise, un cierto toque folk, ramalazos de garage y otras influencias al servicio de unas melodías atrapadoras y unas canciones que te arrastran con gusto en un viaje de crítica amarga a nuestro mundo. ¿Por qué no ha desaparecido todo?, nos preguntan en el título, mientras nos hablan de una historia de la humanidad llena de muerte, errores, violencia, basura... un camino hacia la extinción. 
El comienzo es sublime, con ese Death in midsummer que es toda una declaración de principios. Y de repente nos encontramos envueltos en esa fórmula sonora que hace que el disco se nos pase volando (dura algo más de 36 minutos) y sin un solo segundo de desperdicio. 
Un gran lanzamiento de este año. 

9/10

No está el álbum en youtube, pero os dejo con el videoclip de Death in midsummer:

Motorhead: Orgasmatron (1986)


Es curioso que en su momento este álbum fue criticado con cierta condescendencia, señalando que el sonido de la producción no era adecuado, aunque al mismo tiempo devolvió la popularidad a la banda de Lemmy Kilmister. Sin embargo muchos señalaron que era colosal, y según han pasado los años ha ido adquiriendo más y más categoría, sobre todo gracias a la canción que le da nombre, Orgasmatron, seguramente uno de los mejores temas de rock duro de la historia. 
Para mí, creo que es uno de mis trabajos favoritos de Motorhead (seguramente junto a Overkill y Ace of spades, y aunque algunos consideraron el repertorio un tanto irregular, para mi no tiene desperdicio. Desde el arranque (tremendo) con Deaf forever afrontamos una auténtica locomotora sónica magníficamente representada por la portada (que, por cierto, fue forzada. En realidad el álbum iba a llamarse Ridin´with the driver, y cuando decidieron cambiarle el título ya habían pagado al artista y dejaron su ilustración). 
El repertorio es demoledor, y la fuerza del grupo tan arrebatadora que superarían la etapa de fracaso comercial para volver a formar parte de las listas de éxito (especialmente en Gran Bretaña). 
A día de hoy es una pieza maestra del género, y Orgasmatron  ha sido versionada repetidamente por decenas de bandas que crecieron escuchando la música de Lemmy.
Un referente.

9/10 (por la producción. Si no, un diez rotundo).

El disco completo:

The Fugees: The Score (1996)


No tengo una gran cultura en el género del rap, pero tenía muchas ganas de escuchar a The Fugees. Al fín y al cabo le dieron una vuelta al género tan radical que acabaría evolucionando inevitablemente hacia la mezcla de músicas, samples y letras potentes que hoy emplean músicos tan reconocidos como Kenye West o Kendrick Lamar. Además, de sus filas surgirían dos músicos realmente fantásticos... Wyclef Jean y sobre todo Lauryn Hill, dos abanderados con trabajos en solitario que han pasado la historia. 
El sonido es fantástico para la época. Son capaces de hacer samples y recrear nuevas visiones sobre temas de Enya, o reescribir con fuerza clásicos como el Killing me softly e Roberta Flack o No woman, no cry  de Bob Marley. Los ritmos sincopados, las letras que retratan temáticas como el racismo en la policía, la confusión de la violencia, la falta de interés de personas negras en rastrear sus orígenes... todo ello sumado a un uso de elementos nacidos del soul, el funky o el Doo woop, convierten este trabajo en una pieza de antología, incluso para los que no somos aficionados al rap.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=umhGnNHKzRI

Helloween: The time of the oath (1995)


Los de mi quinta recordamos bien la marcha del cantante Michael Kiske tras el desastre del álbum Chameleon. Aquello fue tremendo. El sonido de una de las bandas europeas más importantes de Power Metal se había reblandecido de manera infantil y hasta cursi. Pero aun así el adiós a Kiske, uno de los grandes vocalistas del género, fue amargo. Cuando escuchamos que lo iba a sustituir el cantante de Pink Cream 69´, Andy Deris, muy pocos dábamos un duro por su futuro. Pero de repente sacaron un disco realmente bonito, Master of the rings, (que en su momento la publicidad vendió como "el nuevo Keeper of the seven keys"). Era blando, es cierto, menos heavy, pero estaba lleno de imaginación, buenas melodías y canciones estupendas. 
Andy Deris fue aceptado. Entonces llegó el suicidio del ex-batería del grupo, Ingo Swichtenberg, que se lanzó a un tren acosado por problemas de depresión, esquizofrenía y adicción a las drogas. 
El nuevo disco de Helloween estaría dedicado a él, y prometió ser mucho más duro, así que estábamos ansiosos. 
La promoción fue descomunal... el metro estaba lleno de publicidad de The time of the oath (y una vez más se vendió como "el nuevo Keeper..."), las críticas hablaban de una obra maestra fantástica, todo un movimiento de marketing de primera categoría. 
Y lo escuché. Una vez. Varias veces. No encontré nada de lo prometido. 
Era más duro, es cierto. Más heavy. Pero no mejor que Master of the rings, ni mucho menos que los Keepers. El sonido era pesado... las canciones ni de lejos llegaban a la imaginación de trabajos precedentes. Eran muchísimo más vulgares, pero se nos vendían como el "no-va-más". 
Pasaron más de 20 años sin que me apeteciera escucharlo y el otro día me lo volví a poner. Al fin y al cabo hay discos que no me han gustado en su momento y luego me han encantado.
El resultado fue el mismo. Su historia no está mal... está basado en una profecía de Nostradamus que auguraba para finales del siglo XX una guerra mundial seguida de mil años de paz si la humanidad elegía bien un nuevo camino a recorrer. 
Pero la dureza del sonido no significa en absoluto mayor imaginación en las canciones. 
No está mal... eso es todo. La verdad es que me dijo muy poco hace 25 años y muy poco ahora. Cuando publicaron su siguiente álbum en el mismo tono, Better than raw, dejé definitivamente de seguirles. 
Para muchos es un gran trabajo y así lo venden. Para mi no. Canciones como Wake up the mountain, Forever and one o We burn me parecen bastante normalitas para ser de Helloween
Para mí, un trabajo muy decepcionante que fue vendido como brillante a costa de una montaña de dinero en publicidad. De hecho les vi en directo en esa gira (también les había visto en la anterior, con Master of the rings) y su actuación me gustó muchísimo menos esta vez. 

6/10

El disco completo:

jueves, 19 de septiembre de 2019

Annie Lennox: Medusa (1995)


Es un caso raro el de Medusa, de la excantante de Eurithmics, Annie Lennox. Porque claramente no es su mejor trabajo, y sin embargo tuvo un éxito enorme, debutando en el número 1 en Reino Unido y en el 11 en los Estados Unidos. Su idea era básicamente revisar un puñado de canciones de otros en un formato de pop electrónico y muy relajante. Y que conste que en algunos casos no le sale mal la jugada, como en el que fue si single de éxito No more i love you´s, de una banda tan estupenda como desconocida, The lover speaks. Es una buena versión... aunque no supera a la original. Y ese es exactamente el problema de este álbum: no suena mal... descafeinado si... demasiado etéreo quizás (aunque los buenos tiempos de Enya nos demuestran que eso no es en absoluto un handicap). Pero la frase del epitafio que podría tener este Medusa es, precisamente, la misma que atañe a No more i love you´s... "No está mal, pero no supera al original". De hecho en varias ocasiones se queda bastante lejos. 
Lennox escoge temas de Bob Marley, de Procol Harum, Al Green, Neil Young, the Temptations, The Clash, Paul Buchanan, Paul Simon, The Persuaders y The Psychodelic Furs... y el resultado es muy similar. Un synth pop etéreo que no llega en casi ningún momento, no ya a superar, sino a igualar los originales. 
No obstante el disco fue una sensación y llegó a vender más de 5 millones de copias. 
Es más llevadero si no conoces las canciones en las que se basa. Porque no suena mal... está bien llevado. Pero al ser versiones... la comparación es inevitable, y ahí es donde se rompe. 

6/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=EIbYBUV4FfM

miércoles, 18 de septiembre de 2019

Mitski: Puberty 2 (2016)


Si os gusta lo diferente, aquí una propuesta que me ha dejado todo loco. Fácil no es. Hipnótica y alucinante... eso es otro cantar. Mitski es fruto de la compleja personalidad de una chica japonesa-estadounidense que había vivido en numerosas ciudades del mundo antes de cumplir los 20 año (en 2019 tiene 27 y 3 álbumes de indie amén de otros dos de composiciones de piano). Con una mente inquieta y curiosa, es una esponja de influencias que transforma, con asombrosa lucidez, en una suerte de música indie atacada por súbitos ramalazos punk, vanguardia a espuertas y unas letras confesionales que dejan profunda huella, y que hablan de la soledad, la alienación y el sentimiento de no conseguir integrarse en ninguna parte. Puberty 2 fue su cuarto álbum de estudio, y deslumbró a la crítica con sus propuestas imprevisibles, casi alienígenas. Es un museo de originalidad. Temas como Happy, Fireworks, A loving feeling o My body´s made of crushed little stars son poemas de un alma poseída por un huracán emocional y artístico. 
Una obra maestra reciente que confundirá a más de uno en su primera escucha. 

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=5QKNg6o9SaU&list=PLe56pDdb1CO_FtpPNYO2v_W_n6s9I5FzQ

Alice Cooper: Killer (1971)


En el año 1971, la Alice Cooper Band estaba en racha. Había publicado su álbum Love it to death, que se había convertido en un éxito y les había llevado de golpe al estrellato, y a finales de año consolidaron su propuesta de música y teatralización del rock con otro trabajo extraordinario, Killer. Voy a pasar de comentar la portada porque la verdad es que es una cutrada bastante chapuza hasta para la época. por suerte el contenido es otra cosa. La psicodelia de los primeros años había ido mutando en un rock más duro, con influencias del hard, el garage y el glam, a lo que había que sumar unas actuaciones en directo delirantes en forma de teatros del horror, con serpientes, sangre y todas las truculencias que se le iban ocurriendo a Vincent Fournier, el hombre que se ocultaba tras el maquillaje de Alice Cooper.
La colección de canciones era impecable... Under my wheels es un trallazo que forma parte inapelable de sus actuaciones hasta el día de hoy... pero además contenía temazos como Be my lover, Halo of flies  y Desperado, dedicada a su amigo y líder de The Doors, Jim Morrison, que acababa de fallecer.
Un clásico.

9/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=GsBrCX5Y5GA&list=PLBzBwYhHpqLL6Zhn6S5SxAQz-lvcR59NM

martes, 17 de septiembre de 2019

Rainbow: Finyl vinyl (1986)


Rainbow fue una banda gloriosa... pero su final (su primer final, porque  Blackmore los refundaría en repetidas ocasiones) no fue lo mejor de su historia, desde luego. Dos años después de su disolución sacaron al mercado este directo doble que tampoco era exactamente lo que prometía, ya que perdía coherencia al incluir también unas cuantas caras B de sus singles, y acababa conformando un recopilatorio que tampoco representaba lo mejor de la banda. Los solos de Ritchie Blackmore siguen siendo una genialidad, por supuesto... pero el cuerpo del disco lo conforman temas de su última etapa, muchos grabados en vivo en diferentes lugares, y no todos con un sonido limpio y trabajado. La sensación final que da es de "vamos a sacar estas cosas que tenemos en un cajón y a ver si conseguimos hacer un poco de pasta". 
Es interesante para terminar colección, pero dista mucho de ser un disco a la altura del grupo. 

6/10

También salió un video de Finyl Vinyl al mercado que resulta más interesante por verles tocar en directo. Aquí os lo dejo:
https://www.youtube.com/watch?v=KwOaiR-DBD0&list=PLA4C21D6D94E17320

Robert Johnson: The complete recordings (1990)


Todavía, a día de hoy, no sabemos como lo hace. Si estaba él solo (y lo estaba)... ¿cómo podía hacer esas cosas con la guitarra? ¿Cómo podía puntear y al mismo tiempo jugar con los bajos? Bueno... los músicos que han intentado imitarle han llegado a la conclusión (teórica porque realmente no se sabe) de que se ayudaba del pulgar (tenía unos dedos larguísimos) para jugar con los graves mientras el resto de las falanges las empleaba en las tres cuerdas más agudas. 
Robert Johnson, el primero de los muertos del "Club de los 27 años", la leyenda del blues del delta tan sólo nos dejó para la posteridad dos fotografías (solo dos) y 29 canciones (grabadas entre 1936 y 1937) que son más que un tesoro... son los cimientos de todo el desarrollo del blues en el siglo XX. 
Este recopilatorio que salió al mercado más de medio siglo después de la muerte de Johnson fue una bomba que ganó el grammy al Mejor álbum histórico. Un esencial. 
Se decía (seguramente ya lo sabéis) que Robert Johnson hizo un pacto con el Diablo en un cruce de caminos (él lo canta en su pieza maestra Crossroads) para tocar mejor que nadie a cambio de morir joven. 
Escuchar su virtuosismo, con la duda de como era capaz de tocar ciertos pasajes, alimenta inevitablemente la leyenda. 
Estamos ante una obra maestra.

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=RRY4fla4ZcI

Los Suaves: Esta vida me va a matar (1982)


Todo un referente en el rock español. Estos hijos de la gallega Orense adquirieron notoriedad teloneando a Los Ramones a comienzos de los años 80 (fue precisamente en esas actuaciones cuando crearon a su gato, Pinocho, emblema de la banda hasta el día de hoy). De hecho, hasta la portada de su álbum debut, Esta vida me va a matar, está influído por las portadas de los Ramones
Su rock urbano resultó fantástico. Las letras de Yosi, con fijación por la amargura, los problemas sociales, el rock y los trenes, cautivaron a los pocos oyentes que al principio les conocían (faltarían unos pocos años para que adquirieran el reconocimiento nacional que merecían). 
Como debut, es de los mejores del rock español. La producción se ha quedado muy antigua, eso es verdad. Ni siquiera creo que fuera buena cuando el disco salió al mercado. Pero el contenido es oro puro. Peligrosa María (uno de sus himnos perennes), la amarga y genial Siempre igual, el homenaje a John Lennon en Muerte en el rock, el trallazo guitarrero de Viene el tren... 
Un clásico de nuestras fronteras. 

8/10 (por la producción, que si no, más)

No está el disco completo, así que os dejo un par de temas.

Peligrosa María:

Siempre igual:

Taylor Swift: Lover (2019)


Esta chica es camaleónica, y lo ha vuelto a hacer. A vuelto a dar un giro a su estilo sin perder la versátil cualidad de componer temas que atrapan a su público. O quizás no es tanto el estilo como el tono. si sus dos últimos trabajos le habían hecho abandonar la adolescencia trayendo un synth pop oscuro, dramático, desesperado incluso, de repente las nubes a su alrededor se vuelven rosas (basta mirar la portada) y su música se abre a un optimismo nuevo. 
Continúa con su camino por las sendas del synth pop ochentero, claro. Ya dejó claro que su etapa country pop era cosa del pasado. 
Si algo tiene Taylor Swift es que es una maga de las melodías. Por supuesto que se rodea de un equipo que la ayuda, pero su esencia permanece, y la diferencia del resto del divas del pop
Su nuevo trabajo es muy agradable de escuchar... a veces juguetea... otras veces manifiesta intenciones y principios ya maduros... juguetea con el funk y el R&B, se lo pasa bien y eso se nota. 
Canciones como The man, ME!, You need to calm down o Soon you´ll get better (junto a los Dixie Chicks), destacan tan sólo un poco por encima del resto del trabajo. 
La verdad es que está muy bien. 

8/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=p1cEvNn88jM&list=PLkqz3S84Tw-RdM_IQwtQrYJpkOmJH2Ngw

lunes, 16 de septiembre de 2019

Metallica (1991)


Nadie se podía imaginar que una banda que había comenzado en un género tan minoritario como el Thrash metal podía dar un salto de gigante tan impactante y colocarse en la primera línea de las bandas más importantes de la historia. Metallica tenían a cuestas ya unas cuantas obras maestras, pese a las críticas de los seguidores más devotos del movimiento, que no dejaban de acusarles de estar reblandeciéndose y de perder la esencia germinal de sus primeros trabajos. Y era verdad. Pero eso no quiere decir que fuera algo malo. Sencillamente no querían repetirse. Querían evolucionar, trabajar nuevos matices y adentrarse en terrenos más accesibles. Bajo la producción de Bob Rock (con quien tuvieron constantes discusiones), buscaron llegar al mayor número de gente posible rebajando la complicación de las composiciones, acortando los temas hasta hacerlos radiofónicos, introduciendo baladas con orquestaciones y buscando un sonido enormemente influído por Black Sabbath
¿Fue una jugada comercial? ¿Estaban buscando llenar las arcas? Si. Claramente si. Pero el tiro les salió bien por la sencilla razón de que las canciones son cojonudas, el sonido parece una apisonadora, James Hetfield canta mejor que nunca y, ya de paso, al fin podemos escuchar el bajo de Jason Newsteed (a quién habían ninguneado en su anterior disco, And justice for all...). Además, es el último disco en el que el guitarrista Kirk Hammet compone solos realmente memorables (desde entonces no ha estado muy lúcido, o al menos no TAN lúcido). 
El interior es un cofre de (a día de hoy ya podemos afirmarlo rotundamente) auténticos clásicos del metal: Enter sandman, Sad but true, The unforgiven, Nothing else matters (en su día odiada por los más fanáticos del metal), Wherever i may roam, Through the never... un catálogo de temas que no tienen precio. 

10/10

El disco completo:

Deep Purple: Scandinavian nights. Live in Stockholm, 1970. (1988)


En ocasiones tenemos que armarnos de paciencia con las grandes bandas. En el año 1988 se publicó este doble cd que originariamente había sido grabado por la radio sueca en 1970, y que nos muestra nada menos que un tempranísimo set list del recién fomado Mark II  de Deep Purple. Acababan de publicar su álbum seminal In rock, y eso suponía unas cuantas cosas. Para empezar, que se habían acabado sus días de pop y psicodelia (no digamos su fracasado intento de rock con orquesta) para entrar de lleno en el universo del hard rock. Consecuencia básica... tenían poquísimo material para sus actuaciones. Eso quiere decir que se dedicarían a lo que se les daba de lujo... improvisar. Y lo hacen poniendo a prueba la paciencia del oyente. Dos de los temas rescatados del pasado, Wring that neck y Mandrake Root, son instrumentales que duran ¡media hora cada una!. Es decir... una hora enterita del directo son delirios instrumentales, tal cual. Tocados por virtuosos, si... pero delirios instrumentales. Speed king e Into the fire siguen más o menos el desarrollo del álbum de estudio... de repente aparece una versión (que está bastante bien) del Paint it black de los Rolling Stones, una versión de Child in time que supera los 20 minutos (la más larga publicada hasta la fecha) y un cierre de fiesta con Black night
Sin duda queda claro que son muy buenos... pero la carencia de material compuesto revela también que les faltaba un par de discos para poder elaborar un set list realmente efectivo y que no se basara en rellenar huecos a base de virtuosismo instrumental. 
Muy interesante, eso si. Sobre todo porque tocan genial, claro.

6/10

El disco completo:

Blind Guardian: Batallions of fear (1988)


Hay debuts y hay debuts. Cuando los alemanes Blind Guardian sacaron su primer disco al mercado distaban mucho de demostrar la creatividad y el perfeccionamiento estilístico que unos años más tarde desarrollarían con épica e imaginación. Sus comienzos son (su nombre lo pone a huevo) palos de ciego. Tienen una idea de hacia donde quieren tirar, pero áun no han desarrollado su sonido. Así que comenzaron con una mezcla básica de speed/power metal donde, a pesar de todo, se atisban algunos detalles interesantes. Sus temáticas oscilan desde el principio entre la fantasía y la ciencia ficción. Varios de los temas están dedicados a la obra de J.R.R. Tolkien (El señor de los anillos), a Stephen King  (Guardian of the blind está basado en su novela It), e incluso hay referencias a la vida de Cristo y al satanista Aleister Crowley. 
La producción es bastante chapucera (muy alejada de las cuidadas producciones de su obra posterior) y las composiciones aun no dejan ver la gran banda en la que se convertirían, aunque sí que destaca la apertura, Majesty, que los fans adoptarían como un himno. 
En cuanto a la portada... parece la de un videojuego de spectrum de los años 80, aunque sí que marca un estilo que se irá repitiendo (con innegable mejor calidad) en el futuro. 

5/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=6f7lCM2dTB4&list=PL0F7AC13FC547553D

Archers of Loaf: Icky mettle (1992)


Cuando un disco repite presencia en la mayor parte de las listas de prestigio de un género es por una buena razón. Archers of Loaf son originarios de Carolina del Norte, Estados Unidos, y cuando aparecieron en escena a principios de los años 90 se hicieron con la escena universitaria de su ciudad. Su energía era algo extraordinario. Parecían transmitir descargas de electricidad constantes. Su estilo partía del noise rock que habían popularizado bandas como Sonic Youth, pero adoptaban el aspecto melódico y la influencia de indie de quienes probablemente hayan sido su mayor influencia, los míticos Pavement
Icky Mettle fue el debut del grupo, y la crítica se volcó en general a su favor. Había rabia, fuerza y ganas de hacer algo nuevo. Fue grabado en apenas una semana, y varias publicaciones lo nombraron entre los mejores discos indie del año; incluso algunas de prestigio lo situaron en el primer puesto. Bajo la batuta del cantante y guitarrista Eric Bachman adquirieron un poderoso estatus inicial que les hizo telonear a Weezer. A pesar de que no fueron unos superventas y de su separación en 1998, el prestigio de Icky Mettle ha ido a más con el paso de las décadas convirtiéndose en un admirado disco de culto. 
En resumen... ¡discazo!

9/10

El disco completo:


jueves, 12 de septiembre de 2019

The Pains of Being Pure at Heart: The echo of pleasure (2017)


Da gusto encontrar bandas que te sorprendan a estas alturas. A pesar de ser de Nueva York, The Pains of Being Pure at Heart han desarrollado un estilo que absorbe múltiples influencias del mercado británico, como el shoegazing y el post punk, y no es difícil rastrear en su sonido la herencia de bandas como My Bloody Valentine, Slowdive, Echo and the Bunnymen o The Jesus and Mary Chain
El disco anterior había decepcionado un poco a los seguidores al perder este rumbo, pero con su cuarto trabajo, The echo of pleasure, volvieron a las sendas por las que fueron reconocidos y apreciados. Y el resultado es precioso. Su sonido es muy accesible (mucho más que el de las bandas que reverencian), sus composiciones son cuidadas hasta el más mínimo detalle, tanto en la parte melódica como en la producción, y las canciones se desgranan con auténtico placer: My only, Anymore, So true...
Delicioso de escuchar (especialmente en un atardecer lluvioso).

9/10

El disco completo:

Liz Phair (2003)


Tras tres extraordinarios discos de indie que marcaron tendencia e historia, el cuarto trabajo de estudio de Liz Phair le supuso una lapidación por parte de la crítica al mismo tiempo que se convertía en su disco más vendido. 
La chica extrema se había pasado al pop rock, y su originalísimo y personal sentido de la composición perdía de repente toda su fuerza primigenia y animal y se convertía en temas absolutamente comerciales y radiofónicos. 
Y era verdad. En parte porque la discográfica la obligó a trabajar con el equipo de producción conocido como The Matrix, que había compuesto temas para lanzar a la fama a gente como Britney Spears, Avril Lavigne y Hilary Duff. Solo compusieron 4 para el disco de Liz, pero eso le valió una crucifixión mediática. 
Bien... desde luego es un disco fácil de digerir... pero eso es porque su sonido ya no es personal, sino todo lo contrario. Se parece muchísimo al de un montón de artistas femeninas de la época... pierde identidad.
Y sin embargo, el talento de Liz Phair sí que sigue ahí. Siempre fue una sobresaliente compositora, y por fáciles, accesibles y radiofónicas que sean los temas de este disco, lo cierto es que están todos bien. Son melódicos, tienen fuerza, son pegadizos... Están bien hechos. No se le puede reprochar eso. El problema es que ya no suenan a lo que fué... y así pierden identidad, vanguardismo y fuerza. Pero no nos equivoquemos... es bueno. Todo lo bueno que puede ser a costa de sacrificar su alma, su nombre y su sonido primigenio.

6/10

Me temo que el disco no está en youtube... pero ahí van un par de temas...

Why can´t i? (video oficial)
https://www.youtube.com/watch?v=qUALb0sGdto

It´s sweet
https://www.youtube.com/watch?v=ozf1gVTdYgo



Rush: Roll the bones (1991)


Uno de mis discos favoritos de los canadienses Rush, que supieron reinventar su sonido (una vez más) para volver a darle protagonismo a las guitarras de Alex Lifeson tras varios años en donde predominaban los sintetizadores (que aquí no desaparecen, pero vuelven a un segundo plano). La temática de fondo era la suerte, el azar en la vida, pero también nuestra capacidad para decidir que si el destino que tenemos no nos gusta, es momento de tirar los dados (Roll the bones) de nuevo y cambiar de rumbo. 
El sonido de la banda se endurece en unos temas que se convirtieron casi de inmediato en clásicos... Dreamline, Bravado, Roll the bones (donde por primera vez incluyen una parte rapeada), Heresy y The Big Wheel son en sí mismas obras maestras.

10/10

El disco completo:

Running Wild: Pile of bones (1992)


Running Wild surgieron en Alemania como una poderosa banda de power metal y speed metal con aceleradas guitarras y coros épicos que, en general, hacían referencia al tema de los piratas. Algo que cuajaba maravillosamente bien con una música que adquiría cualidad de himnos para el público. La consecuencia fue que un montón de grupos se sumaron al carro de Running Wild, lo que dio lugar a un sub-subgénero dentro del metal que es conocido como pirate metal. 
A estas alturas, el fundador y vocalista, Rock´n Rolf Kasparek, se había convertido en el principal compositor de unos temas que ahondarían en leyendas como la vida del corsario Henry Jenning o en la obra de Robert Louis Stevenson, La isla del tesoro
Es uno de sus discos más laureados por sus seguidores, e incluye temas estupendos, como Whirlwind, Lead or gold, Pile of Skulls o Treasure island.

8/10

El disco completo:

U2: The Joshua Tree (1987)


Muchos recordamos la bomba mediática que supuso el quinto álbum de estudio de los irlandeses U2. Todo en él despertaba la sensación de modernidad, originalidad y vanguardismo, a pesar de ser una de sus obras más comerciales. Era imposible escapar de su contenido. ¡Sonaba por todas partes! Especialmente el combo de canciones inicial, Where the streets have no name, I still haven´t found what i´m looking for y With or without you. En realidad todo el contenido era una obra maestra. Bono comenzaba a sonar como un profeta gurú que se había sentado en la cima del mundo, y la guitarra de The Edge adquirió un sonido que definitivamente le identificaba respecto al resto de los seis cuerdas del panorama de rock. 
La portada del álbum y las fotografías del interior se tomaron en Estados Unidos, en el Parque Nacional de Árboles de Josué (lo que bautizaría el disco) y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte.
Fue producido por Brian Eno, y como anécdota, el orden de las canciones fue decidido por la mujer del célebre productor Steve Lillywhite, la cantante irlandesa Kirsty McColl. El grupo decidió el inicio y el cierre del álbum, y le pidió a Kirsty que eligiera el orden del resto de las composiciones, y tal cual las decidió, así quedaron. 

10/10

El disco completo:
https://www.youtube.com/watch?v=3FsrPEUt2Dg&list=PLIHqGfTiPiMWRadWXFtaSLGUI953vOTrt

The isle of Wight Festival, 1970. Message to love (1996)


Tuvimos que esperar más de un cuarto de siglo para que se publicara esta antología que recoge algunas de las actuaciones más emblemáticas del Festival de la Isla de Wight, celebrado en 1970 como un intento de replicar el Festival estadounidense de Woodstock. El problema es que el ambiente no fue igual. Las entradas se vendieron a un precio muy caro que no apoyaba las intenciones aperturistas y liberales de los músicos, y sucedieron sin parar incidentes desagradables, saqueos a las tiendas de las islas, destrozos múltiples. Una multitud acabó tirando las vallas con lo que comenzaron a colarse miles de asistentes generando un ambiente malsano, muy alejado del mensaje de paz y amor de Woodstock. 
Sin embargo, la récua de artistas que dejó su huella en estos tres días de música fue de antología de lo mejor de los sesenta: The Doors, Jimi Hendrix, Free, Leonard Cohen, Miles Davis, Ten Years After, The Moody Blues, Joni Mitchell, The Who, Kris Kristofferson, Family, Tiny Tim, los Taste de Rory Gallagher, John Sebastian... y, por si fuera poco, la presentación de dos bandas desconocidas que a raíz de sus actuaciones en Wight se convertirían en superestrellas: Emerson Lake and Palmer y Jethro Tull. 
Todo un documento histórico.

10/10

El festival de Wight en video:

Yes: Yessongs (1973)


Triple vinilo en su día, hoy doble CD, estamos ante el mejor disco en directo de la banda de rock sinfónico británica Yes. Un compendio tanto de sus excesos como de sus virtudes que recoge su energía sobre los escenarios con una formación de oro, Jon Anderson a la voz, Steve Howe a la guitarra, Rick Wakeman a los teclados, Chris Squire al bajo y Alan White a la batería, presentándonos la gira de su obra maestra Close to the edge (si bien, dos de los temas fueron grabados durante la gira del álbum anterior, Fragile, y en ellos está su percusionista original, Bill Brufford). 
Y es puro Yes. Algún tema es sencillamente igual a los publicados en estudio, pero la mayoría suponen variaciones llenas de virtuosismo en donde destacan, como no podía ser de otro modo, los solos instrumentales de sus egocéntricos miembros, que eran capaces de presentar batalla con tal de tener su momento de protagonismo. 
El repertorio es de antología... toda una selección de sus mejores clásicos con momentos únicos como Heart of the sunrise, And you and i, Starship trooper o el solo de teclado de Wakeman en el que recupera fragmentos de su disco en solitario The six wives of Henry VIII
Un trabajo que cierra la mejor etapa de Yes.

9/10

El disco completo:

lunes, 9 de septiembre de 2019

Ramones: Subterranean jungle (1983)



Los discos de los Ramones siempre son buenos. Te pueden gustar o no, pero si te conviertes en seguidor, entonces no te defraudan. 
Y eso que en lo referente a este trabajo pasaban una mala época personal. Joey y Marky tenían severos problemas de alcoholismo, Dee Dee era directamente drogadicto de numerosas sustancias, entre ellas la heroína, claro. Y sólo Johnny permanecía más o menos estable para hacerse cargo del grupo. A él se debe el giro de sonido que les devolvería un poco a sus orígenes... guitarrazos más rápidos, retorno al punk rock, y una nueva revisitación de clásicos del surf  y el garage, como sus versiones de Little bit o´soul de The Music explosion y time has come today, de los Chambers Brothers. Lo cierto es que como siempre nos encontramos con temas que son trallazos en su discografía, especialmente las geniales Outsider y Psycho therapy, aunque también hay que mencionar otros como la más desconocida In the park, injustamente en segundo plano. 
Detalle curioso... Johnny ya estaba en plena campaña para echar del grupo a Marky Ramone, así que cuando se tomaron la icónica foto de la portada situó al batería tras la ventanilla para que se le viera lo menos posible.

9/10

El disco completo: